Laboratorio Young

di Recitazione

Il laboratorio Young di recitazione ha l’obiettivo di incoraggiare l’espressione creativa attraverso il corpo e la voce, valorizzando lo sviluppo delle differenti personalità e delle diverse abilità favorendo relazioni di reciproco sostegno e collaborazione per la realizzazione di un obiettivo comune: rappresentare tutti insieme, con la voce e con il corpo, una storia.

Un laboratorio così inteso rappresenterà per gli adolescenti e giovani, che spesso si sentono incompresi, la possibilità di raccontarsi e comunicare i propri pensieri e sogni. Non, quindi, una “scuola di teatro” dove formare degli “attori”, ma un luogo per i ragazzi fatto a loro misura dove potersi incontrare, conoscere e relazionare attraverso il gioco del teatro.

Il percorso è frutto di una ricerca lunga nella Teatropedia, il teatro-educazione, come strumento per la promozione del benessere dei ragazzi anche nelle situazioni di disagio. L’arte teatrale è un utile mezzo per lo sviluppo psicofisico di ogni essere umano,

soprattutto in una fase, spesso difficile, come quella dell’adolescenza. Grazie al teatro, ogni giovane imparerà a relazionarsi con se stesso e con gli altri, mettendo in campo energie nuove e arrivando alla conoscenza e alla consapevolezza di sé.

In Teatro nessuno è solo. Il Teatro è il luogo dove non esiste la solitudine. Dove lo spettacolo non può arrivare a vivere senza la totale cooperazione di tutti. Il mestiere dell’attore non è mai individuale: nella fase di studio, di preparazione di uno spettacolo e, soprattutto, in scena, l’attore è parte integrante di un coro, che funziona soltanto grazie all’ascolto reciproco e alla collaborazione di ognuno. Far parte di un gruppo teatrale, quindi, permette agli adolescenti di scoprire il valore del lavoro di squadra e l’ascolto degli altri attraverso l’ascolto di sé.

Il Teatro fa il benessere dell’individuo.

Il laboratorio consente agli allievi di frequentare una scuola di teatro senza dover per forza diventare attori. I benefici che si traggono dalla frequentazione del Laboratorio Teatrale così inteso sono evidenti e attraversano ogni sfera della vita quotidiana.

Finalità

L’espressione teatrale, attraverso le improvvisazioni e l’uso creativo del corpo e della voce, è il filo conduttore per sviluppare le tematiche didattico-espressive del laboratorio.

I ragazzi, interagendo nello spazio scenico, migliorano la coordinazione e l’orientamento spazio-temporale.

La realizzazione di dialoghi e di scenecorali mira a:

- stimolare l’immaginazione;

- superare inibizioni e paure, favorendo la fiducia in se stessi;

- incoraggiare l’espressione individuale all’interno del gruppo;

- migliorare la comunicazione.

La didattica e

il Metodo Carpa ©

L’idea di teatro non si riferisce solamente al momento finale della rappresentazione, quanto soprattutto all’iter dei processi delle forme rappresentative della realtà in cui ogni individuo è responsabile nella produzione del processo creativo.

Il Metodo Carpa, ideato dal direttore artistico Giovanni Carpanzano, è un metodo provato scientificamente, basato sulle neuroscienze e, soprattutto, replicabile, cioè, funziona su tutti. Si basa su tre macro fasi: le azioni fisiche, i gesti psicologici e la conoscenza. Queste fasi sono complementari per l’identificazione con il personaggio da rappresentare attraverso un processo di osmosi.

Struttura del Laboratorio

L’iter del laboratorio porterà all’allestimento finale di uno spettacolo.

I primi mesi, avranno lo scopo laboratoriale di conoscenza e di sperimentazione attraverso training fisici e vocali per la scoperta del ritmo e del respiro attraverso la dinamica del gioco e dell’improvvisazione. Un approccio all’acting che punta a ricreare la verità in scena, evitando un tipo di recitazione declamatorio e artificiale. Ogni allievo attore, quindi, si avvicina alla scena avendo a disposizione due strumenti: il suo corpo e il suo vissuto.

In questi primi mesi le principali attività saranno:

Training fisico: il rilassamento fisico è parte fondamentale della preparazione di ogni attore. Contrariamente alla nostra comune idea di rilassamento, gli attori devono svegliare il loro corpo, rompendo la postura quotidiana, esplorandone le potenzialità, usandolo come lo strumento principale della loro espressività. Sciogliere una tensione fisica vuol dire, molto spesso, scioglierne una interiore: un corpo sveglio e rilassato, sarà pronto per lasciare spazio ai diversi personaggi che ogni allievo si appresta ad esplorare.

Improvvisazioni: prima di avvicinarsi allo spettacolo e al testo, ogni allievo deve affrontare una serie di esercizi propedeutici al palco. Si tratta di improvvisazioni su situazioni e personaggi vicini alla vita degli allievi. La pratica dell’improvvisazione faciliterà la naturalezza e la confidenza con la scena e con i partner. Una volta ottenuti gli strumenti di base, prima di finalizzare il lavoro alla messa in scena dello spettacolo finale, gli allievi si eserciteranno su scene tratte da testi teatrali classici e contemporanei.

Dizione: alcune lezioni saranno incentrate sul lavoro sulla corretta dizione italiana, con lo scopo di correggere eventuali difetti di pronuncia e inflessioni dialettali. Il lavoro sulla dizione, troppo spesso considerato unicamente un virtuosismo tecnico, è invece parte integrante del lavoro dell’attore: il recupero della corretta pronuncia italiana è uno strumento fondamentale per la libertà creativa. La dizione verrà allenata sulla lettura integrata del testo, che tenga conto del suo potenziale attivo e delle infinite possibilità di realizzazione scenica che offre.

Nella seconda parte del laboratorio i ragazzi si concentreranno sullo spettacolo finale. La messa in scena di uno spettacolo di fine corso è importantissima, rappresenta il coronamento dell’esperienza, l’offerta, da parte degli allievi al pubblico, dei frutti del lavoro svolto durante il laboratorio.

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